Ritmo de la pachanga y sonido de la charanga

La pachanga es un ritmo de danza cubano vivaz y sincopado, sostenido sobre todo por la charanga, el conjunto de flauta y violines cuya textura etérea convirtió el ritmo en uno de los favoritos del baile social. Surgida a finales de los años 50 como un patrón más ligero y elástico que el mambo y el son que la precedieron, ofrecía a los bailadores un vaivén de dos tiempos con un marcado acento a contratiempo. A finales de los años 60, la pachanga se había convertido en una vertiente reconocible de la salsa, el género aglutinador que fusiona son montuno, cha-cha-chá y otros géneros afrocubanos en un único lenguaje bailable^[1]. Al difundirse desde los clubes nocturnos cubanos hacia las comunidades de la diáspora caribeña —donde fue adoptada con mayor facilidad por conjuntos con formato de charanga—, el ritmo ocupó su lugar dentro de la red transnacional de la música popular latina de la posguerra.

El ritmo de la pachanga

Mientras el mambo avanza impulsado por una densa pulsación de metales, la pachanga flota: enfatiza una sensación de dos tiempos con el acento desplazado al contratiempo, lo que produce un swing lo bastante ligero como para propiciar la improvisación constante. En una charanga, el patrón queda establecido por el piano y la conga, lo que libera a la flauta y los violines para trazar líneas melódicas que reflejan y ornamentan la síncopa. El trabajo de campo realizado en Nueva York en 1987–88 —incluido el trabajo con Orquesta Broadway— documentó cómo los grupos de charanga recurrían a una sección rítmica compacta para mantener estable el groove de la pachanga mientras los instrumentos de registro más agudo entretejían contramelodías por encima de ella^[2]. Bajo esa ligereza yace una herencia más profunda: la polirritmia afrocubana, el canto de llamada y respuesta y la percusión estratificada que los pueblos kongo, yoruba y bantú llevaron a la isla, elementos que constituyen el sustrato rítmico de casi todos los géneros de danza cubanos.

El sonido de la charanga

La identidad de la charanga reside en su instrumentación. Frente a las orquestas de salsa de gran formato, dominadas por los metales, presenta una configuración más pequeña y en gran medida acústica, construida alrededor de la flauta de madera, los violines, el piano y la percusión; es precisamente esta paleta, unida al ritmo de la pachanga, la que produce el timbre ligero y bailable del formato. El papel melódico improvisatorio y profusamente ornamentado de la flauta es el sello distintivo del conjunto; los investigadores que estudian las charangas neoyorquinas señalan que esta elaboración melódica, desplegada sobre un fondo percusivo contenido, refuerza la elasticidad rítmica de la pachanga y hace que la música sea igualmente apropiada para el baile social y para el escenario de concierto^[2]. Esa misma voz de la flauta ha trascendido ampliamente el salón de baile e influido en obras de música académica afrocubana como Del Caribe, Soy!, de Tania León, escrita para el flautista Nestor Torres. El formato tampoco se anquilosó: a medida que el son cubano se modernizó para convertirse en songo y, posteriormente, en timba, la charanga siguió siendo un vehículo de innovación, un linaje perpetuado por grupos como Charanga Habanera. El resultado es un sonido que fusiona la herencia de música de cámara de sus violines europeos con una sensibilidad rítmica afrocubana.

De la pista de baile a la salsa y su recepción mundial

Una vez exportada, la charanga impregnada de pachanga llegó al público internacional principalmente bajo la denominación de salsa, y no como la tradición cubana distintiva que era. La banda británica Charanga del Norte constituye un caso revelador: al principio, los promotores la presentaron como un grupo de salsa, y solo de manera gradual el público llegó a reconocer su arraigo en el repertorio tradicional de la charanga cubana, incluidos los números de pachanga^[3]. Los estudiosos describen cómo esa promoción tendía a oscilar entre imágenes exotizadas de lo «latino» y el énfasis en las raíces afrocubanas de la música, un equilibrio que se inclinó hacia estas últimas después de que el fenómeno Buena Vista Social Club orientara a los oyentes occidentales hacia estilos cubanos más antiguos. Aunque estas estrategias en ocasiones desdibujaron el linaje específico de la pachanga, también ampliaron su alcance, y su incorporación a grabaciones de salsa y presentaciones en vivo la ha mantenido vigente en las escenas actuales de danza latina.

En la sala de conciertos

El atractivo de la pachanga no se limitó a la pista de baile; los compositores cubanos de música académica también la hicieron suya. Fantasía, de Mario Abril, cuya introducción para clarinete y piano da paso a un movimiento titulado «Pachanga», muestra cómo los compositores nacionalistas incorporaron ritmos folclóricos a obras de concierto para expresar una identidad cultural posterior a la independencia^[3]. El gesto pertenecía a una corriente más amplia del siglo XX, en la cual los compositores cubanos, tras buscar en las tradiciones populares y folclóricas un sonido nacional después de la independencia de 1902, elevaron los lenguajes vernáculos dentro del repertorio clásico. Al citar la síncopa característica de la pachanga, Abril confirmó el alcance del ritmo tanto en el mundo musical popular como en el culto: una expresión más de la confluencia centenaria de las tradiciones españolas y africanas de la que surge toda la música de danza cubana.